Capturing a moment, creating one within you.
Graphic Designer / Photographer
I’m Haruto Oikawa. I am currently studying Art at Emporia State University in Kansas, focusing on Graphic Design while also exploring photography and painting.
Through design’s sense of structure, photography’s eye for observation, and painting’s sensitivity to color, I move between these perspectives to capture the quiet beauty hidden in everyday life.
I also work as a Design Editor for The ESU Bulletin, the university’s newspaper, where I create graphics such as upcoming event visuals and story covers.
及川遥人です。アメリカ・カンザス州にあるエンポリア州立大学で、グラフィックデザインを中心に、写真や絵画も学びました。
デザインでは情報や構図を整理すること、写真では日常の中にあるものをよく見ること、絵画では色やその場の雰囲気を感じることを大切にしています。それぞれの表現を行き来しながら、普段は見過ごされてしまうような静かな美しさを見つけ、自分なりの視点で表現しています。
大学では1年間、学内新聞「The ESU Bulletin」のデザインエディターを務めました。毎週のイベント告知グラフィックや記事の表紙、紙面とオンラインニュースレターのレイアウトを制作していました。
How I See
The artworks try to be simple and clear, so the message can go straight to the viewer. The photographs try to make the viewer feel beauty, or to feel something that pulls them in. If even for one second, the viewer can be captured by my work, then I feel success. In general, my works are “calm.” I often put a focal point inside a quiet space, so that the viewer is naturally drawn into the world that I see.
My process is different depending on the medium. For posters and graphic design, I make sketches carefully, because I need to organize information and communicate clearly to the viewer. For paintings and photos, I want to show what I feel when it is still fresh, so I work more directly and intuitively. The most exciting moments are different in each medium: in design, when my ideas start to take shape on the artboard; in painting, when my memory of the scene grows again on the canvas; and in photography, when I find a composition that feels beautiful. I think composition is the most important element. It gives balance, leads the eye, and makes the main subject clear. Even simple work can tell strongly if the composition works.
My work does not have one repeating motif, but I often use blue and achromatic colors. These colors bring calm and also draw the viewer’s attention. For me, beauty means the moment something catches in my heart. For example, in the library stacks, light comes through the window and falls on one book. The colors, the subject, the angle, and even the weather all connect, and I feel beauty that I can not explain with words. I believe such small and ordinary moments hide true beauty. Through my work, I try to show that I enjoy art, and I hope the viewer can also feel my joy or awareness.
My work is influenced by Claude Monet and Impressionism, and also by David Hockney’s “Joiner”. From Impressionism, I learned how to find a reality that only I can see in the atmosphere and in the ambiguity of a single moment. Not everything we see is sharp, and sometimes the unclear parts make reality stronger. From Hockney, I learned how showing many viewpoints at once is closer to how humans really see. I also try to use uncertainty and multiple perspectives to explore what is “real.”
Art is like a language. It helps me express feelings and ideas that I cannot put into words. Making art also helps me reflect on my own vision and grow. Continuing art is important for my future career. I want to work in creative fields like graphic design and photography and also try new areas such as furniture design. Because I love art, I can work hard, and I believe “when I am doing what I like with all my heart, I am unstoppable.” My dream is to work together as a graphic designer or furniture designer, but also continue as a photographer or painter, in other words, as an artist. Art is already part of my life. Even the smallest moment of beauty is important to me, and I want to keep believing in it and expressing it.
私の作品では、メッセージがまっすぐ見る人に届くように、シンプルで分かりやすい表現を大切にしています。写真では、美しさを感じてもらうことや、思わず引き込まれるような感覚を生み出すことを目指しています。たとえ一秒でも、誰かの目や心を引きつけることができたなら、作品として成功したと感じます。
私の作品には、全体的に「静けさ」があります。静かな空間の中に一つの焦点を置き、見る人の視線が自然と、私が見ている世界へ引き込まれていくような構図をよく使います。
制作の進め方は、表現する媒体によって異なります。ポスターやグラフィックデザインでは、情報を整理し、見る人に分かりやすく伝える必要があるため、スケッチを重ねながら慎重に構成を考えます。一方、絵画や写真では、その瞬間に感じたことが新鮮なうちに表現したいので、より直接的に、直感を大切にしながら制作します。
面白いと感じる瞬間も、それぞれの表現によって違います。デザインでは、頭の中にあったアイデアがアートボード上で少しずつ形になっていく瞬間。絵画では、自分の中にある風景の記憶がキャンバスの上によみがえる瞬間。写真では、美しいと感じる構図を見つけた瞬間です。
私にとって、構図は最も大切な要素です。画面にバランスを与え、視線を導き、何を見せたいのかを明確にしてくれます。シンプルな作品でも、構図がうまく働いていれば、強く伝えることができると考えています。
作品に一つの決まったモチーフが繰り返し登場するわけではありませんが、青や無彩色を使うことが多くあります。これらの色には静けさがありながら、見る人の視線を引きつける力もあると感じています。
私にとって美しさとは、何かが心に引っかかる瞬間です。例えば、図書館の書庫で、窓から差し込んだ光が一冊の本に落ちている光景を見つけたことがあります。そのときの色、本という対象、見る角度、天気までもが一つにつながり、言葉では説明できない美しさを感じました。私は、このような日常の小さな瞬間にこそ、本当の美しさが隠れていると考えています。作品を通して、私自身がアートを楽しんでいることを表現し、見る人にもその喜びや気づきを感じてもらえたらと思っています。
私の作品は、クロード・モネをはじめとする印象派と、デイヴィッド・ホックニーの「Joiner」から影響を受けています。印象派からは、ある瞬間の空気や曖昧さの中に、自分にしか見えない現実を見つけることを学びました。私たちが見ているもののすべてが、はっきりとしているわけではありません。ときには、曖昧な部分があることで、かえって現実が強く感じられることもあります。
ホックニーからは、複数の視点を同時に見せることが、人間が実際にものを見る感覚に近いという考えを学びました。私も不確かさや複数の視点を取り入れながら、「現実とは何か」を探ろうとしています。
私にとって、アートは言葉のようなものです。言葉にできない感情や考えを表現する手段であり、制作を通して自分の見方を振り返り、成長することもできます。
これからも、グラフィックデザインや写真などのクリエイティブな分野で働きながら、家具デザインのような新しい分野にも挑戦したいと考えています。私はアートが好きだからこそ努力でき、「好きなことに心から向き合っているとき、自分は止められない」と信じています。
将来はグラフィックデザイナーや家具デザイナーとして働きながら、写真家や画家として、そして一人のアーティストとしても制作を続けていきたいです。アートはすでに私の生活の一部です。どれほど小さな美しさでも大切にし、その存在を信じながら、これからも表現し続けたいと思っています。